Filmes que alienam ativamente o público

A maioria dos filmes visa agradar. Afinal, o “pop” na cultura pop significa “popular”, e o sucesso comercial e de crítica, para não mencionar as carreiras, estão em jogo em todos os filmes. Portanto, não é surpresa que a maioria dos filmes corteje o maior público possível. Eles nem sempre conseguem, mas a satisfação é quase sempre o objetivo.

Em alguns casos, porém, um cineasta pode alienar intencionalmente certas audiências para fazer uma observação ou provocar uma reação. Alguns cineastas alienam intencionalmente seu público com humor extremo ou ofensivo, técnicas não convencionais ou métodos de narrativa estupefatos para criar uma experiência mais envolvente ou desafiadora. E embora possa tornar o filme menos acessível ao público em geral, há algo a ser dito sobre filmes que não são para todos.

Atualizado em 17 de agosto de 2023 por Nikole Finger: Este artigo foi atualizado com conteúdo adicional para manter a discussão atualizada e relevante com ainda mais informações e novas entradas.

10 Beleza Americana (1999)

Nada diz mais “alienação” do que um filme que nem mesmo os realizadores dizem entender. É o caso do clássico cult, beleza Americana. Fãs, críticos e estudiosos do cinema tentaram discernir qual é o verdadeiro significado por trás do filme.

No entanto, ele simplesmente não parece querer se comprometer com uma interpretação. Ele pede ao público que examine diretamente vários relacionamentos desconfortáveis, mas, em vez de apenas resumir as falhas dos personagens, oferece um sentimento de esperança após o tormento que o público testemunha.

9 O Poderoso Chefão Parte II (1974)

O padrinho foi um filme extremamente popular, como ainda é hoje. Ele abalou o público com a descendência moral do protagonista, que parecia ser o único membro inocente e não violento de sua família mafiosa para o líder da família mais temida. Depois, O Poderoso Chefão Parte II deu uma olhada em como a família Corleone surgiu e o início de seu fim.

Como muitos filmes que alienam o público, os protagonistas não são fáceis de torcer. No entanto, é especialmente frustrante para o público deste filme porque é uma prequela e uma sequência. Eles devem assistir a uma criança inocente se tornar o mafioso do primeiro filme e devem ver os valores da família que ele cuidou por tanto tempo serem destruídos.

8 Coringa (2019)

Embora os fãs possam ter adorado, não há dúvida de que Palhaço pretendia desafiar a noção de que o protagonista precisa ser um personagem adorável e identificável. De certa forma, essa iteração do icônico vilão do Batman é muito identificável, mas da forma mais sombria possível. Ele é constantemente desrespeitado e rejeitado, o que o leva a se tornar um vilão. Infelizmente, é muito comum as pessoas se relacionarem com esse sentimento.

Palhaço pretendia forçar o público a confrontar sua escuridão interior. Todos podem relacionar seu sentimento de raiva com o desrespeito, mas é um sentimento que não é socialmente aceitável de se demonstrar. Claro, o Coringa dificilmente é um modelo de como lidar, e o público e o filme sabem disso. Isso coloca o público em uma posição desconfortável ao ver alguém realizar sua fantasia de vingança, perdendo-se para o medo normal de rejeição.

7 Psicopata Americano (2000)

Não é comum encontrar um filme de terror que também seja uma paródia social, mas psicopata Americano pretendia ser apenas isso. O filme reuniu seguidores bastante leais, mas foi fortemente criticado pela extrema violência colocada na tela.

A intenção era fazer o público questionar o que estava vendo. Havia um assassino em série marchando alegremente pelo mundo dos negócios de alto nível, ou todos os assassinatos horríveis eram apenas ilusões em sua mente? De qualquer maneira, o público se depara com uma sensação desconfortável de confusão e não há como confirmar exatamente de que maneira esse homem perdeu a cabeça.

6 Un Chien Andalou (1929)

Em 1929, a Era de Ouro de Hollywood estava em pleno andamento. O Código Hays, restringindo os filmes a conteúdo moralmente correto e edificante ainda estava a cinco anos de distância, e o público foi presenteado com filmes de sucesso de estrelas duradouras como Louise Brooks e Clara Bow ao lado do thriller de Alfred Hitchcock. Chantagem e a escandalosa obra de Georg Wilhelm Pabst Caixa de Pandora. Mesmo nesses tempos mais aventureiros, porém, o público não estava preparado para o diretor Luis Buñuel.

Foi sua colaboração com o também espanhol Salvador Dalí que definiu o modelo para afastar os espectadores. Sem enredo e encharcado de surrealismo, Un Chein Andalou (um cachorro andaluz, um título aparentemente sem conexão com o filme em si), não faz nenhum esforço para atingir seu público no meio do caminho. Sua tomada mais famosa, o globo ocular de uma mulher sendo aberto com uma lâmina de barbear em um close-up gráfico, continua sendo uma das tomadas mais surpreendentes da história do cinema. Converse com qualquer estudante de cinema e é provável que eles tenham uma história sobre assistir a esse clipe na aula enquanto todos enlouqueciam coletivamente.

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5 Dogville (2003)

Como Buñuel, o diretor dinamarquês Lars von Trier fez carreira vendo o quanto ele pode sujeitar seu público. Uma figura-chave no extremamente influente movimento Dogma 95, que se concentrou em uma produção cinematográfica altamente restritiva, von Trier sempre fez da reação do público um elemento-chave de seus filmes. Em nenhum lugar isso é mais evidente do que em Dogville. Filmado em um estúdio sem cenários, as ruas e prédios da cidade fictícia de Dogville são demarcados com giz e os atores imitam qualquer interação com o ambiente.

A artificialidade do estilo do filme é igualada pela crueldade e brutalidade de sua trama, que envolve agressão sexual e vingança violenta. Em seu coração, Dogville é um comentário sobre os ataques terroristas de 11 de setembro e a “guerra ao terror” global dos Estados Unidos que se seguiu. Lars von Trier está seguindo os passos do lendário dramaturgo e diretor Bertolt Brecht. Foi Brecht quem criou o termo Verfremdungseffekt (efeito de alienação) para a alienação intencional do público. Brecht argumentou que os efeitos imersivos, quase hipnóticos do palco e da tela deveriam ser resistidos, para melhor comunicar uma mensagem social ou política ao público, uma noção que von Trier claramente levou a sério.

4 Salò, ou os 120 dias de Sodoma (1975)

Este filme italiano de 1975 ambientado nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial e baseado no trabalho da Marquesa de Sade (de quem obtemos a palavra “sadismo”) revela positivamente a tortura sexualizada de crianças que durou meses sob o pretexto de condenar o Personagens fascistas perpetrando os atos na tela.

Salòé genuinamente repulsivo, brutal e quase impossível para muitas pessoas terminar, mas provou ser extremamente influente nas últimas quatro décadas. filmes como Serra, Hostel, A Centopéia Humanae todo o subgênero de terror da pornografia de tortura devem sua existência ao filme de Pier Paolo Pasolini, que o Time Out’s Film Guide nomeou o “filme mais controverso” de todos os tempos em 2006.

3 Laranja Mecânica (1971)

Laranja mecânica é um filme que questiona como a sociedade trata os criminosos, então teve que alienar seu público até certo ponto devido à natureza do filme. Segue um jovem que encontra alegria em todos os tipos de comportamentos horrendos. Ao ser preso, ele se oferece como voluntário para um programa experimental que irá torturá-lo para que não encontre alegria na violência, reduzindo sua sentença e colocando-o no mundo “livre”.

Neste filme, ninguém deveria ser o herói. O protagonista certamente não é, pois foi feito para ser atroz, mas charmoso. Seria muito fácil para o público escolher um lado sobre como lidar com os criminosos na sociedade se o exemplo dado fosse um homem simpático, mas seu comportamento brutal pode fazer com que praticamente qualquer pessoa fique tentada a puni-lo com severidade. A alienação do público fez tanto sucesso que o filme foi banido em vários países por um tempo, além de condenado por diversas igrejas. Embora seja amplamente considerado como um clássico cult agora, Laranja mecânica ultrapassou inúmeros limites na época de seu lançamento, e poucos filmes desde então atingiram esse mesmo nível.

2 Sátántangó (1994)

Este drama de 1994 dirigido pelo cineasta húngaro Béla Tarr é filmado em preto e branco com duração superior a sete horas. O filme é rodado inteiramente em tomadas longas, e Tarr afirma que existem apenas cerca de 150 tomadas em todo o filme, várias das quais duram mais de dez minutos. Para colocar isso em contexto, de acordo com James Cutting, um psicólogo da Cornell University que estuda a evolução do cinema ao longo do século passado, a duração média do plano em longas-metragens hoje gira em torno de 2,5 segundos.

Os planos gerais se tornaram um objeto de fetiche entre os cinéfilos, mas Cutting usa planos mais curtos para combinar melhor com as flutuações naturais da atenção humana. A experiência de visualização torna-se uma espécie de teste de resistência, talvez melhor exemplificado pelo filme de arte de Andy Warhol Império, cujo tempo de execução de 485 minutos consiste apenas em uma tomada estática do Empire State Building. Como com Império, Sátántangó torna a presença sentida do tempo uma parte fundamental de sua experiência, mudando não apenas a maneira como assistimos e pensamos sobre o filme em si, mas os filmes e o cinema em geral.

1 Filme de bilhões de dólares de Tim e Eric (2012)

Dividindo a diferença entre os objetivos artísticos quase clínicos de diretores como Tarr e Warhol e os choques viscerais e repulsivos da pornografia de tortura, estão as anti-comédias indutoras de constrangimento de O filme de bilhões de dólares de Tim e Ericde Tim Heidecker e Eric Wareheim e Freddy foi pegoé Tom Green. Mais do que qualquer outro gênero, a comédia é definida pela reação do público. Filmes de ação, romances e dramas têm algum corolário disso, mas apenas na comédia uma reação específica do público está intimamente ligada ao sucesso ou ao fracasso; “matar” ou “morrer” no jargão da comédia stand-up.

filmes como O filme de bilhões de dólares de Tim e Eric, no entanto, discordam. Tem um tipo de humor que aliena ativamente seu público com piadas que desafiam a estrutura comum e abraçam material desagradável, criando uma barreira profunda entre aqueles que entendem e aqueles que não entendem. O humor não vem tanto do material em si, mas da reação que seus criadores e fãs sabem que ele provoca no grande público; em alguns aspectos, é puro comportamento de troll, elevado ao nível da arte, e é difícil imaginar que Buñuel não aprovaria.