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Por que os filmes de Terrence Malick são tão visualmente impressionantes?

Terrence Malick é um grande cineasta americano conhecido pelos visuais deslumbrantes de seus filmes, cativando espectadores desde o início dos anos 70. Mesmo aqueles que não estão tão encantados com as histórias profundas e ambíguas de Malick não podem negar o quão linda é sua identidade visual, que nunca perdeu seu impacto e originalidade, apesar da variedade de assuntos entre seus filmes: crime, guerra, imperialismo e solidão. , para nomear alguns.


Independentemente de os espectadores estarem assistindo ermofilme de estreia de Malick de 1973, ou Uma vida oculta, seu mais recente drama de guerra, pode-se facilmente dizer que é um filme de Terrence Malick apenas pelo visual. Tudo se resume ao poder poético das imagens em transmitir a mundanidade cotidiana não apenas como ela é, mas também como algo verdadeiramente mágico. Ao final de um filme de Malick, o espectador deveria ser uma pessoa completamente diferente.


Por que o estilo cinematográfico de Malick é considerado poético?

O elenco da Thin Red Line
Raposa do século 20

Embora “poético” possa parecer uma forma barata de elogiar qualquer coisa que pareça remotamente marcante para os sentidos, é verdade que os filmes de Malick se desviam de uma forma tradicional de narrativa, assim como a estrutura de um poema diverge da de um romance. A poesia e o cinema de Malick estão geralmente ligados ao sensorial, imagens que criam uma impressão imediata de beleza e capacidade de identificação através de um motivo distinto, em vez de uma narrativa linear e direta.

A maioria dos filmes de Malick, especialmente A árvore da Vida, sua obra mais famosa, quase não depende do desenvolvimento do enredo ou do personagem, apesar de acompanhar de perto os atores em todos os momentos. O filme fala ao público através da forma como os personagens interagem com o mundo ao seu redor, mantendo a narrativa em movimento ao evocar a imprevisibilidade da própria vida. Passa a impressão de que a história contada está solta no tempo e no espaço, quase como se toda a história do universo estivesse acontecendo ao mesmo tempo, de uma só vez.

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Assim como os sentimentos habitam o reino das ideias, o mesmo acontece com a mise en scène nos filmes de Malick. Poesia tem tudo a ver com expressar as emoções mais profundas e significativas com palavras, trazendo à tona memórias involuntárias dos espectadores por meio dos pensamentos pessoais que revestem o poema. Malick faz o mesmo com as imagens: abraçando a beleza visual em detrimento das histórias a serem contadas, deixando aos sentidos preencher os fios soltos.

Como Malick reinventou o uso da luz natural no cinema

Dias do Céu

Ninguém ilumina uma cena como a Mãe Natureza, e é por isso que muitos cineastas aproveitam isso para criar o apelo visual mais bonito possível. Em entrevista com Michael Ciment, Stanley Kubrick uma vez revelado, “Sempre tentei iluminar meus filmes para simular a luz natural; durante o dia usando as janelas para iluminar o cenário, e nas cenas noturnas as luzes práticas que você vê no cenário.” Agora, Malick não é uma pessoa muito pública – na verdade, ele pode ser um dos artistas mais reclusos da cena contemporânea, recusando-se a aparecer diante das câmeras ou a ter suas entrevistas gravadas – mas seus filmes falam de sua paixão pela luz natural para ele.

Algumas das mais belas imagens já concebidas podem ser encontradas em Dias do Céu, segundo longa-metragem de Malick e vencedor de Melhor Fotografia no Oscar de 1979. O filme gira em torno de um triângulo amoroso que se desenvolve em uma fazenda no interior, filmado quase inteiramente no momento mágico do dia conhecido como a “Hora de Ouro”, quando o dia fugaz gradualmente cede ao céu noturno, banhando o horizonte com um distinto luz dourada. Isto, somado à visão dos campos de trigo e da paisagem pastoril, resulta em imagens hipnotizantes que nenhum outro filme poderia replicar com a mesma intensidade.

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Dias do Céu é uma homenagem aos tempos em que as coisas eram muito menos complicadas e o cinema não podia depender tanto do refinamento artificial da imagem e do som porque essas ferramentas simplesmente não existiam. Naturalmente, a escolha de Malick de usar uma luz natural tão preciosa e limitada atrasou a produção durante meses, mas permitiu uma experiência imersiva que leva os espectadores de volta à década de 1910. Essa sede de perfeição nunca abandonou o cineasta e Malick nunca sentiu necessidade de apressar nenhum de seus filmes, abordando a arte com a paciência que ela exige.

Como o hiato de 20 anos de Malick mudou seu estilo

Brad Pitt em A Árvore da Vida
Summit Entretenimento

Malick ganhou destaque pela primeira vez nos anos 70 com dois filmes que o estabeleceriam como um dos melhores cineastas de seu tempo, mas ninguém poderia prever que ele de repente iria assumir um hiato de 20 anos na produção de filmes. ermo e Dias do Céu eram sobre a batalha incessante do homem contra a natureza e como um manipula o outro. 20 anos depois, o foco de Malick mudou do ambiente que nos rodeia para aqueles que o habitam; usando lentes mais amplas com foco profundo, seus filmes enquadravam os personagens com uma intimidade que não existia antes.

Malick prefere a proximidade gradual ao zoom real, como se a câmera fosse alguém se aproximando silenciosamente dos personagens por trás. Na verdade, é assim que suas fotos características costumam ser. Mesmo nas tomadas mais estáticas, a câmera parece estar se movendo, ou melhor, flutuando, quase como se as ações dos personagens fossem motivadas pelo movimento da câmera, em vez dos objetos e pessoas no quadro motivarem o movimento da câmera.

Em um filme de Malick, uma câmera tem vida própria, muitas vezes deixando a história que se desenrola na tela, levando uma vida própria e independente, deixando os personagens para trás e passando para o que mais está acontecendo ao seu redor. Além disso, Malick descobriu na retroiluminação uma forma eficaz de diferenciar o personagem e seu passado, em busca da individualidade, seu novo tema favorito pós-hiato.

Malick encontrou nos diretores de fotografia Emmanuel Lubezki e Jörg Widmer dois colaboradores de longa data que conseguiram adaptar efetivamente sua visão artística às lentes de uma câmera e criar alguns dos filmes mais visualmente impressionantes da década de 2010; Lubezki juntando-se a Malick O Novo Mundo, A Árvore da Vida, Para a Maravilha, Cavaleiro de Copas, e Canção em Cançãoe Widmer assumindo os dois filmes mais recentes de Malick, Uma vida oculta e O Caminho do Vento. Ao longo de 50 anos, a delicada identidade visual de Malick induz o espectador a ver a natureza de forma diferente e a perceber o mundo ao seu redor com mais intensidade; abraçando cores mais brilhantes e horizontes mais amplos.